Collection: Evangelina Esparza I Huella y Permanencia.

En la obra de Evangelina Esparza, la relación entre arte y vida no se plantea como un programa ni como una consigna heredada, sino como una continuidad sensible. Sus imágenes no buscan ilustrar una idea previa ni confirmar un discurso: nacen de la experiencia, del recuerdo y de lo cercano, y convierten lo íntimo en un espacio compartido. Las figuras que aparecen en esta exposición —mujeres jóvenes, seres alados, animales, retratos silenciosos, presencias detenidas— no se presentan como alegorías cerradas. La recurrencia en la representación de pequeñas aves, ciervos, gorros o boinas que evocan nidos o refugios introduce una serie de elementos que remiten a un imaginario simbólico donde lo humano, lo animal y lo natural se entrelazan sin jerarquías rígidas. No funcionan como mitos afirmados ni como tesis narrativas, sino como formas abiertas de pensamiento visual, capaces de acoger experiencias biográficas y resonancias universales al mismo tiempo. La recurrencia a lo femenino en su trabajo no opera como consigna identitaria ni como ilustración de un discurso previo.

Se manifiesta, más bien, como una exploración de la subjetividad a través del cuidado, la memoria y la relación con el entorno. Las figuras no se imponen ni se enfrentan: habitan el espacio pictórico desde una presencia contenida, donde el cuerpo aparece como lugar de tránsito entre lo visible y lo interior. La potencia de estas obras no reside únicamente en los motivos que representan, sino en cómo están formalmente construidas.

Es en la composición general y en sus decisiones micro —la relación entre zonas nítidas y pasajes más difusos, entre detalle y síntesis, entre forma contenida y respiración del espacio— donde la imagen adquiere densidad. La obra conserva la huella de su ejecución: el espectador puede leer en ella la presión del gesto, su velocidad, los cambios de ritmo y de dirección, como quien sigue un rastro fijado en la superficie.

En sus dibujos se revela una caligrafía precisa y sensible, donde cada trazo no suspende el tiempo, sino que lo condensa. La superficie no actúa como un soporte neutro, sino como un campo activo que ofrece resistencia, adherencia y estratificación, permitiendo que el gesto se acumule, se corrija y se densifique. A ello se suma una dimensión lumínica sutil: la interacción entre el grafito y las cargas minerales incorporadas a la preparación del papel genera brillos mínimos e iridiscencias que se activan según el ángulo de observación, haciendo que la imagen nunca se perciba de manera completamente estable.

La obra se ofrece así como una instantánea cargada de duración, capaz de rememorar el movimiento de la mano que la produjo. Exige una mirada activa, atenta no solo a la forma final, sino a la sucesión de presiones, ritmos, velocidades y variaciones lumínicas que han quedado inscritas en la materia. En sus pinturas —óleos y temples al huevo— la materialidad adquiere un protagonismo decisivo. El soporte de cobre, liso y resbaladizo, condiciona unas posibilidades caligráficas y unos recursos plásticos específicos: el gesto no se clava, sino que patina, se desliza y se modula, dejando un rastro distinto al que produciría la fricción del lienzo o la absorción de la tabla. La pintura se organiza por capas que no solo construyen la imagen, sino que regulan su respuesta a la luz.

La transparencia del óleo se intensifica; la interacción entre distintas densidades, brillos y empastes genera estratos donde la luz no se apaga, sino que reverbera, y donde el color mantiene su saturación incluso en las zonas de mayor luminosidad. Estas cualidades materiales son difíciles —cuando no imposibles— de trasladar a reproducciones fotográficas y hacen que la obra gane una presencia decisiva en la experiencia directa. La escala de los dibujos, el modo en que la superficie del papel es preparada —mediante veladuras, cargas minerales o materiales nacarados— y el brillo propio del grafito, junto con el tipo de cristal empleado en el enmarcado, cuyo reflejo mínimo juega un papel sutil, forman parte de una conjunción de decisiones que aportan peso físico al conjunto y convierten la imagen en un artefacto cuya experiencia es inevitablemente escultórica e instalativa. La pintura y el dibujo no se ofrecen solo para ser vistos, sino para ser recorridos con el cuerpo y con el tiempo.

El uso de la tradición pictórica —por ejemplo, en resonancias que pueden remitir a Simon Vouet o a Rosa Bonheur— no opera aquí como nostalgia ni como cita erudita. Funciona como un sustrato vivo, asumido con naturalidad, que se desplaza hacia una sensibilidad contemporánea. Sus figuras pertenecen a un entorno cercano, cotidiano y mundano; sin embargo, habitan escenarios que remiten a un tiempo impreciso, donde el lenguaje heredado se activa desde una experiencia personal y presente. En un contexto contemporáneo que suele desconfiar de la belleza, la delicadeza o la fantasía, estas obras asumen esos registros sin ironía ni cinismo. No como evasión, sino como una forma de resistencia silenciosa. Lo bello aparece aquí como un territorio complejo, donde conviven lo frágil y lo inquietante, lo refinado y lo extraño, sin anularse.

Las obras de Evangelina Esparza no aspiran a situarse fuera del mundo ni a romper con él. Se ofrecen como objetos pensados para habitar la vida cotidiana, para acompañarla y densificarla. Imágenes que no imponen un mensaje ni reclaman una lectura única, sino una convivencia prolongada: obras que se dejan leer en el tiempo y que permanecen.

Comisario: Jabobo Alcalde Gilbert