Sammlung: José A. Vallejo I Von allen Dingen.

JOSE ANTONIO VALLEJO SERRANO: BITTE LÄCHELN.

Von Javier Díaz-Guardiola*

José Antonio Vallejo Serrano (Madrid, 1984) kenne ich seit Jahren. Ich erinnere mich, als es dazu kam und er begann, mir seine Arbeitsweise zu erzählen, gestand er mir, dass die Kunst ihm in gewisser Weise geholfen habe, die Person zu werden, die er heute ist. Sie diente ihm als Zuflucht und half ihm, einer Kindheit, in der "Mobbing" sein Unwesen trieb, weil er nicht der heteronormative Junge war, den einige seiner Klassenkameraden erwarteten, ein gutes Gesicht zu geben. In gewisser Weise rettete ihn seine Fähigkeit, allem ein Lächeln zu schenken, mit Optimismus und trieb ihn an, ohne Groll weiterzumachen.

Seit diesem Moment, so sagen wir, bevölkerten Figuren sein Repertoire (damals drei: der Teddybär, die Marionette, die aufblasbare Figur), die ihm als "Alter Egos" dienten, um sich selbst zu analysieren und einfache Antworten, wie ein Kind es tun würde, auf Fragen zu geben, die ihn betrafen. Dies führte auch zu einer plastischen Sprache (Protagonisten, die in seinen Szenarien schwebten, eine nicht-lineare Erzählweise, die Vorliebe für Farben wie Rosa, die sich stolz der Geschlossenheit des Schwarzen widersetzten), die gleichermaßen Geheimnis, Lyrik und Hoffnung ausstrahlte. 

Aber im Leben ist nicht alles eitel Sonnenschein. Und so gewissenhaft man auch sein mag oder so sehr man alles gut unter Kontrolle haben möchte, gibt es Dinge, die man nicht kontrollieren kann. Die aktuelle Ausstellung in der DDR ist das Ergebnis der Überwindung einer Trauer, sie handelt von der Notwendigkeit, über andere Dinge zu sprechen als die bloße Feststellung einer Abwesenheit, davon zu akzeptieren, dass ein Zyklus (zeitlich und in der Vorstellung des Künstlers) abgeschlossen ist und dass der Schöpfer seine Stimme zurückgewinnen, den Fokus wieder auf seine Person richten, über sich und seine Identität sprechen musste. 

Deshalb lautet der Titel dieser Ausstellung „Von allen Dingen“. Aus dem Satz „Der Tod ist nicht das Ende aller Dinge“ (was mich an die Militärhymne von Cesáreo Gabaráin erinnert). Der Teil, der auf den Tod anspielt, wurde gestrichen, Vallejo  behält den zweiten Teil, eine allgemeinere und sogar platonische Anspielung. Und von da an versucht der Künstler, all das wiederzugewinnen, was man während der Trauer verliert: die Freude, den Wunsch, Pläne zu schmieden, die Vitalität... Und sogar die Überwindung der Trauer über die Trauer. Unser Protagonist gesteht mir das Gefühl des Unbehagens und der Niedergeschlagenheit, das einen überkommt, wenn man merkt, dass es einem nicht mehr schlecht geht. Und nicht nur das:  das Paradoxon, dass es Menschen gab, die sich ärgerten, weil es ihm schlecht ging. Im Grunde ist es absurd, traurig zu sein, weil man glücklich ist, und diese neuen Zeichnungen, besonders die großformatigen, haben ihm geholfen zu verstehen, was geschah.

Fünf Werke dieser Art sind in dieser Ausstellung vertreten, jedes (und mit Erlaubnis des Roboters, in Erwartung seines eigenen) mehr oder weniger einer Figur gewidmet, denn in all dieser Zeit ist Vallejo auch als Person gewachsen und die "Alter Egos", in die er seine Identität aufteilt, haben sich vervielfacht. Obwohl, wie alles in seinem Diskurs, diese sich vermischen, begegnen, miteinander in Beziehung treten, Ideen teilen, während sie neue umarmen. Denn die Absicht war nicht so sehr, mit bestimmten Archetypen rigoros zu sein, sondern sie neu zu fixieren, "sie wieder zu lieben", sie von der Aura der Traurigkeit zu befreien, in die sie in den letzten Monaten versunken waren. 

Die Figuren durchqueren jetzt Wege und spielen in zweideutigen Szenen mit, in denen es zum Beispiel zu Explosionen kommt. Es ist schwer zu verstehen, was darin geschieht, mit Situationen, die man nicht kontrollieren kann. In manchen ist es sogar schwierig zu erkennen, ob sie beginnen oder enden, ob die Konsequenz angenehm oder schmerzhaft ist... Es sickern Fragen durch, die dem Künstler widerfahren und die er nicht in der Hand hat. Und die gute oder schlechte Konsequenzen haben können. Es ist die Erwartung, bevor man eine Piñata schlägt, ein wiederkehrendes Symbol bei diesem Autor...  

Stilistisch gibt es auch Veränderungen. Vallejo hat sich stärker auf die Szenarien konzentriert, in denen seine Geschichten spielen. Das Vortäuschen von Glück oder das Zeigen einer Verhaltensweise, die den Erwartungen in dieser jüngsten Vergangenheit entsprach, führte ihn dazu, in den Hollywood-Filmen der 50er Jahre eine funktionierende Ressource zwischen Realität und Fiktion zu finden. So sind in Filmen wie "There is no Business like Show Business" (1954) von Irving Berlin seine Glücksräume voller Bühnenbilder und bieten Raum für sehr reale Vortäuschungen. Man sieht die Bühnenmaschinerie, aber es stört uns nicht, wir akzeptieren sie. Die Absicht des Malers ist es nun, nicht durch Vortäuschung, sondern auf reale Weise zu sich selbst zurückzukehren, und dafür platziert er seine Figuren in falschen Kulissen, die die Dimension des "Konstrukteurs" des Madrilenen unterstreichen. 

Wenn also „Drei Bären“ den Ankerpunkt zwischen dem Vorherigen und dem, was jetzt kommt, bilden könnte (diese Figur war bis heute eher passiv; ein Voyeur, dessen Mission es war zu warten, bis wir ins Bett gingen und unsere Träume süßer machten), dann taucht in „Nothing is Gonna Hurt you, Baby“ bereits der Mystizismus auf, der sich in Vallejo Serranos Werk seit dem Tod des Verwandten, der die gesamte vorherige Ära auslöste, manifestiert hat. Die Figur mit den langen Ärmeln, die die Hauptrolle spielt, ist eine der ersten, die sich der Existenz anderer um sie herum bewusst wird, nicht mehr isoliert. Ihr Kontext ist ein Wald, in dem sie sich scheinbar irgendwie organisieren, vielleicht um ein Ritual in Gang zu setzen.

Marionette und aufblasbare Puppe waren schon immer zwei der  Lieblingsspiegel, in denen sich Vallejo Serrano spiegelte. Die ägyptische Perspektive, die er wiederkehrend verwendete, wird durch die klassische ersetzt, wie in „Funny Little Dolls“ (wie kann man da nicht Einflüsse des Disney-Kurzfilms „Funny Little Bunnies“ sehen, der in seiner letzten Szene pervertiert wird?). Dies ist grundlegend, denn in dieser neuen Phase des „Konstrukteurs“ sammeln sich immer mehr Elemente auf der Bühne, viele stammen aus seinen Installationen, die in einer zweiten Phase der Ausstellung den Raum stürmen werden... 

Auf Lateinisch lautet der Titel des Werks „Mors non est finis omnium rerum“. Wieder eine große Bühne, gebaut aus Abfall- oder Abbruchmaterial. Es ist nicht mehr so barock wie früher, aber eine Art postapokalyptisches Theater voller Leben in seinem Ruin. Es bleibt noch „Gracias, Gracias, Gracias“ zu erwähnen, dessen schwarzer Hintergrund, nach allem bisher Erzählten, darauf schließen lässt, dass seine Botschaft nicht unbedingt Trauer ist.

Wie bei früheren Auftritten ist die Erzählung in José Antonio Vallejo Serranos Vorschlag fragmentiert. Jede dieser „größeren Zeichnungen“ (aufgrund ihres Umfangs) oder seine „kleineren Zeichnungen“ (weil sie kleiner und intimer sind) sind kleine Teile eines Puzzles ohne feste Position in der Erzählung, die perfekt in die Lücke der Erinnerung passen, die der Betrachter ihnen zugestehen möchte. Deshalb können wir nicht erkennen, ob die vorgeschlagenen Handlungen beginnen oder enden, ob sie entstehen oder sterben, ob sie sich nicht überlappen, ob ihre Figuren eine Handlung aufbauen oder zerlegen, die Reihenfolge, in der sie aufeinander folgen... Wie in „Aufmerksam die guten Nachrichten hören“ findet es der Autor sogar suggestiv, dass sie widersprüchliche Botschaften senden (aus einem oder mehreren Stücken).

„Ich mache die Zeichnungen, die ich als Kind gerne gesehen hätte“, erinnert er mich. Als schwules Kind zu sein, erzeugte viele Unsicherheiten in ihm. Da ist „Auf dem Weg wirst du Gesellschaft finden“ mit einer neuen Bedeutungsebene. Oder „Er ist zurückgekommen, für dich, für dich, für dich...“, was bekräftigt, dass das Traurige oder das Fröhliche zurückkehrt; lasst es uns annehmen und das Gute feiern, das daraus entsteht. In „Eine Explosion, eine unkontrollierte Kraft, ein Unfall“, mit einem deutlich disruptiven und biografischen Akzent, setzt sich die Liebe trotz allem durch, auch wenn seine Welt aufgewühlt ist und die Bäume sich im Wind biegen.  Schließlich, in „Und er wird wieder Böses tun können“, wo die Figuren an Größe zunehmen und es daher leichter ist, den Bezug zu entdecken, ist die Idee der ständigen Rekonstruktion offensichtlich...

Alle Werke sind im Grunde die Seiten eines Tagebuchs. Und vergessen Sie nicht, dass dieses idealisiert oder fantasiert sein kann. Trotzdem erzeugen sie ein Drehbuch mit Fortschritten und Rückschlägen, mit zweideutigen Situationen, mit dem Wunsch nach Überwindung. Deshalb, was auch immer passiert, lächeln Sie bitte. 

Valdenuño Fernández, 11. Oktober 2025.

*Javier Díaz-Guardiola ist ein auf zeitgenössische Kunst spezialisierter Journalist, Kritiker und Kurator. Derzeit ist er Koordinator von ABC Cultural, Chefredakteur von ABCdeARCO und Autor des Blogs für zeitgenössische Kunst „Siete de Un Golpe“.