Wir sehen uns in Lissabon!! DDR ART GALLERY nimmt an der Messe JustLx 2022 teil

DDR ART GALLERY [STAND A3] nimmt vom 19. bis 22. Mai 2022 an der Justlx teil.

In der DDR Art Gallery zeigen wir zeitgenössische Kunst, die aus dem Kontakt zwischen Sammler
und Künstler entsteht, wobei unsere Galerie als vereinheitlichendes und verwaltendes Element dient. Wir kombinieren die Teilnahme an
Messen für zeitgenössische Kunst mit dem Online-Verkauf auf nationaler und internationaler Ebene, mit einem
Diskurs der Analyse und Kritik der Realität der Gegenwart.

Auf dieser Grundlage basiert unser Vorschlag für JustLx Lissabon auf dem Dialog zwischen den
Werken von fünf Künstlern, wobei die menschliche Figur und ihre Interaktion mit Form und Raum das Rückgrat
des Vorschlags bilden.

Fünf künstlerische Disziplinen ermöglichen es uns, dem Betrachter eine Reflexion anzubieten, bei der
die informelle Malerei von Virginia Rivas die Arbeit der Künstlerin zeigt, das Material, das
sie als Künstlerin definiert, nämlich die Malerei. Von dort aus werden Form
und Materie durch Abstraktion und Geste untersucht, auf der Suche nach einer eigenen Palette, in die
Texturen, naive Striche und kurze Texte eindringen, die sich zwischen Zufall und Absicht bewegen.

Die Vertiefung in das menschliche Verhalten durch die eigenen Erfahrungen der Künstlerin als Leitfaden,
um die Verbindung zwischen Individuum und Umwelt zu erforschen und einen soziologischen, pluralen und
zeitgenössischen Diskurs zu schaffen, in dem die Beziehung zwischen Werk, Betrachter und Raum untersucht wird.
Die Argentinierin Evangelina Esparza setzt sich in ihrer Malerei mit der Darstellung der weiblichen Figur und der Vögel auseinander.

"Vögel durchqueren uns im stillen Flug", Rainer Maria Rilke.

Vögel oder geflügelte Wesen sind ein Symbol für die Luftreise und die Beziehung zwischen Himmel
und Erde, da sie zwischen beiden Welten wandeln.

Ihre Bezeichnung im Griechischen bedeutete „Omen“ oder „himmlische Botschaft“.

Im alten Rom beobachteten die Auguren die Vögel und interpretierten die himmlischen Zeichen, die sie
übermitteln konnten; daher stammt das Wort Auspizien, Auspex ist „derjenige, der die Vögel beobachtet“.
Der Vogel ist für viele Zivilisationen im Laufe der Geschichte das Symbol der Seele. Von Johannes vom Kreuz in der kastilischen mystischen Literatur bis zum persischen Symbolismus von Farid al Din Attar in seinem
bekannten Werk „Die Sprache der Vögel“ fliegt die Seele auf der Suche nach spiritueller Ekstase, auf der
Begegnung mit dem Göttlichen.

Diese in Spanien lebende Künstlerin argentinischer Herkunft versucht, die Unmittelbarkeit eines Augenblicks einzufangen,
die Schönheit zu ergreifen, die zwischen dem Kontemplativen und dem Transformationsprozess schwingt, als eine Symbiose
zwischen dem Realen und dem Idealen, um die Zeit zu verlangsamen und sie in einem Bild festzuhalten.
Evangelina behandelt in ihrem Prozess das Genre des Porträts und spielt auf die Unbestimmtheit des
menschlichen Wesens an.

Die Verwendung des Vogels in ihren Zeichnungen und Gemälden spricht vom Über-Ich und der Voraussetzung,
die Fähigkeit zu erlangen, von einem evolutionären existentiellen Zustand zu einem höheren überzugehen.

Sie symbolisiert den Wunsch der Menschheit nach ihrer ätherischen Transformation, verbunden mit dem Zustand der
Transzendenz durch das Bewohnen eines Raumes zwischen Himmel und Erde.
Evangelina Esparza taucht in die Suche nach der dem menschlichen Geist innewohnenden Essenz ein und
versucht, die Grenze zwischen dem Menschlichen und dem Göttlichen innerhalb dieser untrennbaren Natur zu verwischen.

Die analogen Collagen von Annita Klimt, das älteste Ausdrucksmittel, werden Picasso und Braque als die ersten „absichtlichen“ Kreationen zugeschrieben, den Surrealisten oder Dadaisten, doch Forscher haben Vorläufer von Collagen in den Arbeiten japanischer Kalligraphen des 13. Jahrhunderts entdeckt.

Heute ist die Collage ein bevorzugtes Verfahren in einer Vielzahl von künstlerischen Ausdrucksformen oder in Medien wie der Werbung. Ihr Reichtum beruht auf der Möglichkeit, Instrumente zu vervielfältigen: Fotografie, Schrift, Textilien und jedes andere Material, um aus verschiedenen Elementen ein einziges kommunikatives Produkt zu schaffen. Und genau das tut Annita Klimt. Sie erstellt sorgfältig ihre Kompositionen unter Verwendung von Elementen unterschiedlicher Herkunft, verleiht ihnen persönliche, kommunizierbare Bedeutungen, vermittelt Ideen, Emotionen, Konzepte.

In ihr prägt auch ihre Natur als Künstlerin eine Handschrift, eine Absicht, diesmal
entschieden und bewusst formuliert. In einem Interview (Blog „Frauen, die Frauen betrachten“)
definiert sie ihr Werk „als eine natürliche weibliche Wahl-Impuls“, und plädiert sogar für eine „feministische Kunst“
, die ihr notwendig erscheint, um eine Welt der angenommenen Rollen zu überwinden. Sie formuliert aber auch
ihren Wunsch, dass eines Tages einfach nur Die Kunst existiert, „jene, die erschüttert, abstößt,
verliebt macht oder ängstigt, nur wenn man sie betrachtet, woher sie auch kommen mag“.

In Annita Klimts Collagen finden wir eine Auseinandersetzung mit der persönlichen und
kollektiven Identität der Frau, gleichzeitig eine subtile Kritik an stereotypen Darstellungsweisen
von Frauen. Die Darstellung des Körpers, ganz oder fragmentiert, fast immer nackt, koexistiert mit der Darstellung der Natur. Eine Koexistenz, die eher auf eine Identifizierung hinweist: die Frau-Ceres, Göttin der Ernten, die Frau-Gea,
die Erde, die Natur.

Dieses Thema zieht sich wie ein roter Faden durch ihr Werk, so dass ihre Bilder zu einem
Manifest für die Anerkennung eines Platzes und einer Ausdruckskraft werden, ein Schrei des
Überlebens, eine Art des Kampfes.

Duft vergessener Planeten ist die Zusammenfassung anderer Leidenschaften wie Archäologie, französisches Kino der sechziger Jahre oder Poesie.

Umrühren. Finden. Retten.

Der Impuls für die Reise, für die Erinnerung, für das Erlebte und die Notwendigkeit zu synthetisieren.
Aus einem Rahmen. Aus einem Fragment. Aus geteilten Bildschirmen.

Auch aus dem Wort, aber als ein weiteres Bild. Als eine Auflösung mit Buchstaben, immer mit
der Frau als Protagonistin.

Minimalismus und Poetik erforschen Konzepte wie Verlust, Hoffnung oder
Sehnsucht.

Sie arbeitet manuell, um sich von der Mechanisierung und Perfektion der Bildkultur
zu distanzieren. Ein Prozess, der sie dazu zwingt, zu dekonstruieren und sich selbst zu dekonstruieren. Ein Kampf zwischen dem freien und dem unterwürfigen Blick."

All dies führt uns zur Notwendigkeit der Dokumentation der Realität selbst, in der Fotografie von
José Quintanilla, der die zeitgenössische Realität in seinen Bildern analysiert und bewahrt,
Geschichten erzählt, wie Zeit und Raum einen Kontext in den sozialen Beziehungen
zwischen Menschen und der feindseligen Umgebung, die sie umgibt, schaffen, die Abwesenheit des Menschen,
verstanden als Gegenwart, Vergangenheit und Zukunft.

„Die Zeit, ohne jegliche Unterstützung oder einen Schwerpunkt, auf dem sie sich abstützen könnte, rast,
vergeht unaufhaltsam.“ Byung-Chul Han (Der Duft der Zeit).

Und die urbane Kunst, die zeitgenössischste der bildenden Künste, mit dem Werk der
Live-Painting-Intervention des internationalen Graffiti-Künstlers Casassola, mit Wandgemälden in London, Amsterdam,
Neapel, Dakar, Spanien und anderen internationalen Städten.

Die Werke von Casassola wurden als städtische Interventionen konzipiert, auf Schichten von Werbepapier aufgetragen, die nach einer Zeit des Zusammenlebens mit der Rauheit der Stadt abgerissen und für ihre Ausstellung auf der Feria Fig Bilbao 2021 vorbereitet wurden.
Konzeptionell sind sie eine Art, die Kollektivität eines Raumes und einer Zeit in der Stadt des 21. Jahrhunderts zu verstehen.

Die Stadt hinterließ ihre Spuren im Werk, Regen, Verschmutzung, Zerstörungsversuche. Kurz gesagt,
sie fangen die Seele dieses Raum-Zeit-Gefüges ein, sind eine Erinnerung und eine Analyse der Urbanität, die uns
zufällig zerstört und definiert und die uns fast immer den Atem raubt.