Art Madrid Messe für Zeitgenössische Kunst 2023.

DDR ART GALERIE.
STAND B12

Künstler:

Roger Sanguino, Venezuela.

Jose Quintanilla, Spanien.

David Delgado Ruiz, Spanien.

Evangelina Esparza, Argentinien.

Roberto López Martín, Spanien.

In der DDR Art Gallery gestalten wir zeitgenössische Kunst durch den Kontakt zwischen Sammler und Künstler, wobei unsere Galerie als vereinendes und verwaltendes Element fungiert. Wir kombinieren die Teilnahme an zeitgenössischen Kunstmessen mit dem Online-Verkauf auf nationaler und internationaler Ebene, begleitet von einem Diskurs der Analyse und Kritik der gegenwärtigen Realität.

Ausgehend von diesem Ansatz basiert unser Vorschlag für die Art Madrid 2023 auf dem Dialog zwischen den physischen Werken unserer Künstler und den NFTs und deren Interaktion mit Form und Raum als Rückgrat des Vorschlags, dem ephemeren Werk, das dem im Cyberspace verbleibenden Werk gegenübergestellt wird.

Der in Spanien lebende Venezolaner Roger Sanguino präsentiert seine Arbeit, die er in den letzten Jahren von der klassischen Skulptur hin zur Malerei entwickelt hat. Diese ist geprägt von einem Diskurs, der sich auf den Menschen, die Bedeutung des Porträts, den Ausdruck des Körpers und den urbanen Raum bezieht.

Was die Formalisierung der Arbeit betrifft, so liegt im technischen Teil das, was für die endgültige Konstruktion des Werkes wesentlich war: das Metall und seine Möglichkeiten.
Durch den Einsatz von Stäben und Klaviersaiten, und später von Bolzen und Netzen, ermöglichten all diese Möglichkeiten des Stahls einen Dialog zwischen Malerei und Skulptur, indem sie eine Brücke zwischen beiden Disziplinen durch konzeptionelle und formale Grundlagen schlugen.
Mit dem Körper und dem Porträt als Achsen beginnt diese Kreuzung, bei der die Verwendung von Mischtechniken die Struktur des Werkes bestimmt.

Auf der Fläche und im Volumen erscheinen verschiedene Striche; Urflecken und -linien, die der Figur Gestalt verleihen, zusammen mit einem Geflecht, das als Raster über ihr schwebt und einen metallischen Rahmen bildet, der auf die städtische oder alltägliche Landschaft verweist. Dieser Rahmen wiederum hilft, Strukturen zu organisieren, Grenzen und Inhalte aus einer geometrischen Perspektive zu definieren, in die auch die Leere einbezogen wird.
Mit all diesen Eingriffen, die an den Porträts vorgenommen werden, beginnt ein Prozess, der die Konzepte von Identität durcheinanderbringt und in veränderte, modifizierte Konzepte umwandelt, wodurch neue Identitäten entstehen.

„Unseen XVII“ (Unbeachtet XVII)
Technik: Öl und Edelstahl / Leinwand / Holz
Maße: 90 x 69 x 1,5 cm
Jahr: 2021

José Quintanilla konzentriert sich auf die Landschaftsfotografie, verstanden als die Beziehung zwischen Mensch und seiner Umgebung, dem Raum zwischen Menschlichem und Natur, der Grenze zwischen Vernunft und Chaos. Die Erinnerung, die Andenken, die Suche zwischen Schönheit und Abwesenheit.
Unter den monumentalen Darstellungen wird die Ruine zum Schlüssel unseres kollektiven Gedächtnisses, das Tor zur Traumwelt, die, wie Marc Augé sagte, uns in eine „reine Zeit, ohne Datum, aber mit Gedächtnis“ versetzt. Ruinen bekräftigen die Wurzeln unserer Vergangenheit und festigen unsere heldenhaften Bezugspunkte.
Wenn diese nicht existieren, müssen sie erfunden werden. Die falsche Ruine – auch Folly oder Caprice genannt – wird Ende des 17. Jahrhunderts in den Landschaftsgärten der wohlhabenden europäischen Klassen in Mode.

Als Erzeuger von Erinnerungen auf Abruf bilden sie die westliche Vision einer Geschichte nach, die an einer idealisierten Vergangenheit festhält, aber notwendig ist, um der Bedrohung durch die industrielle Revolution und die Moderne zu begegnen, während sie gleichzeitig das Gewissen beruhigt, das durch die zunehmende Umweltzerstörung, die Übernutzung natürlicher Ressourcen, den rücksichtslosen Einsatz von Kindern und Sklaven und die Aneignung fremden Reichtums in den kolonisierten Gebieten gestört ist.
Der Lauf der Zeit verwischt den Unterschied zwischen Original und Kopie. Die Ruine und die Fotografie mit ihrer vermeintlichen dokumentarischen Wahrheit dienen als Darstellungen, um unsere Fiktion zu untermauern."
Die Werke dieses Fotografen offenbaren die unsichtbaren Verbindungen zwischen Kino und Menschen. Dieselbe Bewegung durchzieht sie: die des Zeitablaufs.
Einerseits fangen die Bilder den Lauf der Zeit und der Menschen ein; andererseits der Mensch, der das Leben, seine Spuren, seine Falten, seine Starrheit, seine Langsamkeit und seine Erinnerungen einfängt. Die Verbindungen zwischen Filmen und älteren Menschen reißen nicht ab. Sie sind wie ein Spiegelbild des anderen.
Sie sind Archive, einem zerbrechlichen und unabwendbaren Schicksal geweiht.
Körper, die beschädigt werden; andererseits Filme, die verschwinden; einerseits die Erinnerung, die verdunstet; andererseits Bilder und Töne, die von Parasiten zerfressen werden. Die Erhaltung ist schwierig, sie wird zu einer politischen, ethischen und kulturellen Frage. Was sollen wir von unseren Erinnerungen, unserer Geschichte bewahren? Welches Schicksal haben gealterte Körper im Bild? Welches Schicksal hat das Bild im digitalen Zeitalter? Ermöglicht das Bild ein ewiges Leben, Avatare ein zweites Leben? Kann das eine das andere retten?

04# Memorabilien
Technik: Schwarz-Weiß-Film, Mittelformat Mamiya 6x7. Abzug mit pigmentierten Tinten
auf Hahnemühle Barytpapier, metallisiert. Künstlerexemplar.
In Vitrine gerahmt, Mansonia-Leiste, Museumsglas entspiegelt.
Maße: 122 x 160 cm Abzug, 125 x 163 x 6 cm Rahmen
Auflage: 5 + 2 A.P. in dieser Größe
Jahr: 2019
Preis der Enaire Stiftung 2019, ausgewählt. Preis der Enaire Stiftung 2021 besondere Erwähnung
Photo España. Ausgestellt beim PhotoEspaña Festival 2021, Santander und im
Centre Pompidou de Málaga 2022

Die Notwendigkeit der Dokumentation der eigenen Realität in der Fotografie von David Delgado Ruiz, der die zeitgenössische Realität in seinen Bildern analysiert und bewahrt und Geschichten darüber erzählt, wie Zeit und Raum einen Kontext in den sozialen Beziehungen zwischen Menschen und der feindlichen Umwelt, die sie umgibt, schaffen, wobei die Stadt als Gegenwart, Vergangenheit und Zukunft verstanden wird.
Es geht nicht nur darum, die Realität zu dokumentieren, sondern auch darum, imaginäre Landschaften hervorzurufen, gemeinsame Orte, auf die man in diesen Zeiten der Unsicherheit zurückgreifen kann, in denen das Einzige, was nicht von Dauer ist, der ständige Wandel der Realität ist, auf der wir uns bewegen, ohne kaum Zeit zu haben, innezuhalten, anzuhalten und zu schauen oder, noch viel weniger, zurückzublicken.
Als Redaktionsmitarbeiter der Getty Images NYC Agentur hat er internationale Ausstellungen in Mailand, Lissabon, New York sowie PhotoEspaña, Art Madrid und Estampa auf nationaler Ebene durchgeführt.
Er präsentiert Fotografien aus seiner Serie [Life In Mars], eine Allegorie auf erfundene Landschaften darüber, wie das Leben des Menschen auf neuen Planeten aussehen wird.
Wie wird die Liebe in den Kolonien sein? Alles hat einen Anfang, alles hat ein Ende.
Gibt es Leben auf anderen Planeten? Werden wir Menschen auf dem Mars leben? Wie
wird sich die menschliche Evolution an diese neuen Lebensräume anpassen?
Definiert die Technologie der Wearables zwei menschliche Spezies?
Werden wir einen 5G-Chip in unser Gehirn implantiert haben?
Die Fragen folgen einander auf die gewöhnlichste Weise, gebündelt in einem
dunklen Wirrwarr, das Licht durch seine Risse zeigt, eine noch nicht existierende
Zukunft imaginierend, in unerlebten Erinnerungen wühlend, im Traum,
zu den Sternen zu blicken und Leben jenseits unserer Atmosphäre zu imaginieren,
in diesem menschlichen Wunsch, Fragen zu stellen, die Antworten liefern,
die neue Fragen aufwerfen.
Gibt es Leben auf dem Mars?
Auch seine Bewegtbilder sind mit NFT-Lizenz (Non Fungible Token) erhältlich.

Planet Moon (2021)
Serie: [ #Life_In_Mars ]
Technik: Analoge und digitale Fotografie, zertifizierter Druck auf Hahnemühle
Photo Rag® Ultra Smooth 305 g/m² · 100% Baumwolle. Museum Standard Cotton Paper.
Limitierte, nummerierte und serialisierte Auflage, 16 Drucke & 1 A.P.
50 x 50 cm (10 Einheiten) 100 x 100 cm (5 Einheiten) 150 x 150 cm (Einzelkopie)

Abschluss in Bildender Kunst an der Universität Complutense Madrid. Studium der Architektur an der Universidad Nacional de Rosario, Argentinien.
Zahlreiche Einzel- und Gruppenausstellungen in Spanien, Argentinien, Brüssel, London, Portugal, Schweden und Trient, Italien.
Darunter sind besonders hervorzuheben die Ausstellungen für die AISGE-Stiftung in Madrid und für das Brüsseler Parlament im Jahr 2015.
Weitere interessante Projekte wie „Die Nacht der Forscher“ im Königlichen Botanischen Garten Madrid. Fashion Art Institute - Recicla Futuro von Manuel Fernández in der französischen Botschaft in Madrid und der Königlichen Tapisserie-Manufaktur im Jahr 2018. Ihre letzte Ausstellung, in „Die Nacht der Galerien“ in Malmö, Schweden 2019, ihr Bild „Die neue Ophelia“ war das Bild für den Autorenfilm „Konstnärernaochderasverk“ im Jahr 2020.
„Time to walk“ Auktion in Zusammenarbeit mit „Callaghan Shoes und Fashion Art Institute“ zusammen mit Künstlern wie Blanca Cuesta, Loles León und Rossy De Palma und anderen.
Sie wurde zum zweiten Mal im Wettbewerb des CEART Tomás y Valiente ausgewählt, um ihre Einzelausstellung im Februar 2016 zu zeigen, und hat an Messen wie Estampa, Librarte, Just LX Lissabon 2019 und 2022, Fig-Bilbao 2019 und 2022, Art Madrid 2020 und Solo Project auf der „Marte internationale Kunstmesse“ in Castellón 2021 teilgenommen.
Ihre Werke befinden sich in öffentlichen Sammlungen wie dem Rathaus von Fuenlabrada im Casa de la Mujer und privaten Sammlungen in Portugal, Schweden, Deutschland, Argentinien und Spanien.
Evangelina nähert sich dem Genre des narrativen Porträts in ihrem Prozess, indem sie auf die Unbestimmtheit des menschlichen Wesens anspielt. Die Suche nach kontemplativer und transformativer Schönheit als Symbiose zwischen dem Realen und dem Idealen.
Der Einsatz symbolischer Elemente in ihren Zeichnungen und Gemälden spricht vom Über-Ich und dem Wunsch der Menschheit nach ihrer ätherischen Transformation, verbunden mit dem Zustand der Transzendenz, indem sie einen Raum zwischen Himmel und Erde bewohnt.

Rotkehlchen.
Farbiges Frauenporträt, handsigniert und mit Prägestempel unten rechts.
Einzelwerk auf Papier, montiert in einer Vitrine mit entspiegeltem Glas.
Technik: GRAPHIT UND TEMPERA AUF HANDGETÖNTEM PAPIER
Maße: 56 x 76 cm
Jahr: 2022

Aus der kontinuierlichen Analyse von Malerei und Skulptur warnt uns Roberto López Martins Werk vor der Verarmung des Verständnisses und dem Verlust der Abstraktionsfähigkeit.
Beide Tatsachen würden durch den Vorrang des Bildes verursacht, das Fernsehen und Internet sowie all ihre Anwendungen gegenüber dem geschriebenen Wort erzeugen.
Das Spielzeug ist ein unverzichtbares Konzept und erreicht seinen höchsten Wert im Kontext der menschlichen Entwicklung.
Durch das Spielzeug erkunden, entdecken, lernen und interagieren Kinder mit einer Vielzahl von Objekten und Problemen, die einen wichtigen Teil ihrer angemessenen Entwicklung als Individuen darstellen.
Das Kind, hinter der Maske der falschen Kindheit, wird zu einer Serie, einem Katalogreferenz, einer Art Avatar oder einer völlig verzerrten grafischen Darstellung, die einem Benutzer zur zukünftigen Identifizierung in seiner Nachfrage zugeordnet wird. Es positioniert sich hinter dem Spielzeug – Produkt, indem es diese Werte annimmt, emotionale Anästhesie fördert und dem Muster folgt, das wir soziale Netzwerke nennen.

Avatar Pygmalion
Serie Homo Videns: Die Fernsehkinder, Avatare.

Technik: Stofffigur. auf Glasfaser und Harz.
Maße: 218 x 44 x 30 cm
Einzelstück.
Jahr: 2023.

 

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